Raça, gênero e projeto branqueador : “a redenção de Cam”, de modesto brocos

Résumé Pt En

Desde seu lançamento em 1895, o quadro “A Redenção de Cam”, do artista espanhol Modesto Brocos, tem provocado a crítica de arte a um debate que não necessariamente se fia à questão formal, mas antes se volta ao assunto que marcou a concepção da tela : a ideia de embranquecimento racial. A imagem é um retrato de família marcado pelas distintas gradações de cor na pele das personagens – do marrom escuro (“negro”) da avó, ao “branco” do neto e de seu pai, passando pela mãe, morena, cuja tez adquire na tela um tom dourado. Em consonância, o grande interesse despertado pela pintura, que recebeu a medalha de ouro naquela Exposição Geral de Belas Artes, parece atado ao tema das uniões interraciais no Brasil e, em especial, à sua transformação em emblema dos debates sobre o futuro de um país marcado pela forte presença de uma população que não se define nem como negra, nem como branca, e pelos impasses que a chamada mestiçagem trazia para uma nação que se pretendia, no futuro, branca, num momento de auge do pensamento racialista na esfera pública. Um episódio tem sido particularmente apontado como um marco na recepção da tela, qual seja, o fato de João Batista de Lacerda, diretor do Museu Nacional, tê-la incorporado à comunicação que apresentou ao I Congresso Universal das Raças, em Londres, em 1911. O quadro tornava-se, nas mãos do cientista, uma evidência de sua tese, segundo a qual, por efeito da evolução e da entrada de imigrantes europeus, levaria três gerações ou um século para que o país se tornasse evidentemente branco.O presente artigo pretende situar a pintura no marco de uma perspectiva branca sobre populações não-brancas e também contextualizar a tela como expoente de um ponto de vista masculino – o que permite abrir espaços para refletir sobre os lugares que um olhar marcado por intersecções entre raça e gênero destina às mulheres não-brancas. É sugestivo que, em primeiro lugar, as personagens de pele mais clara sejam aquelas do sexo masculino. Em segundo lugar, que a cena guarde correlações formais com a iconografia religiosa, sobretudo a da natividade, com a mulata correspondendo à figura de Virgem Maria e o bebê, ao menino Jesus. Ao dialogar com a forma da pintura bíblica, a cena abre mão de uma perspectiva voyeurista do corpo feminino, em prol de um viés que poderia ser visto de alguma maneira como beatificante. E provoca a refletir sobre os motivos dessa decisão. Argumentamos que a escolha do artista por tal composição deixam entrever determinados critérios de aceitabilidade para as uniões interraciais – que passam por caracterizações específicas dos corpos femininos não-brancos –, sob um ponto de vista masculino. Além disso, é digna de nota a opção por evidenciar mulheres não-brancas de duas gerações, cujos filhos tiveram pais brancos e nunca uma inversão de gênero e cor. Tendo esses elementos em vista, o artigo se pergunta se nessa tela a abordagem não-voyeurista da presença feminina teria a intenção de destituir de sentido o desejo masculino do espectador e quais seriam suas motivações.

Since its exhibition launch in 1895, the painting named “A Redenção de Cam” [The Redemption of Ham], by Spanish artist Modesto Brocos, has impelled the art critics to a debate that was not necessarily related to formal issues. Instead, they turned their attention to the very subject informing the conception of the picture: the idea of racial whitening. The image is a family portrait, characterised by the different colours of each characters’ skin – from a dark brown (“black”) grandmother to a “white” grandson and his father, with a golden skinned mother (that might be called a morena in Brazil) in-between.Accordingly, the huge interest generated by the painting awarded with the golden medal in that year’s General Exhibition of Fine Arts seemed to be linked to general concerns about interracial unions in Brazil, especially with their transformation on an emblem of the discussions about the future of a country whose people included a large amount of persons who could not be defined as either black or white and the dilemmas imposed by the so-called mestizaje to a nation willing to be white in the future, in a moment when racialist thought had a strong influence on public debates. An episode has been pointed out as particular landmark about the reception of the picture: the fact that it was incorporated to the paper presented by João Batista de Lacerda, director of the National Museum, to the 1st World Congress of Races, held in London in 1911. By the hands of this scientist, the painting became an evidence of a thesis whose main argument was that in the natural course of evolution and due to the white European immigration, Brazil’s population would become evidently white in three generations or one century.While recognising the painting as a sample of a white perspective about the non-white, the present article also intends to contextualise its masculine point of view, what will allow for starting a reflection on the places reserved to non-white women by such a racially and gender biased look. Firstly it is suggestive that the lighter skin characters are male; secondly, it is also suggestive that the scene formally reports to Christian iconography, especially the Nativity, in which the “mulatto” mother corresponds to the figure of Virgin Mary and the child to infant Jesus. Through its formal dialogue with biblical painting, the image leaves behind a voyeuristic perspective towards the female body, opting instead by an approach that could be seen as beatifying, and thus provokes reflections on the reasons for such a decision. It will be argued that the artist’s choice for such an arrangement makes it possible to see certain criteria for the acceptability of interracial unions under a white masculine gaze in the late Nineteenth century, which depended on specific ways of characterizing the non-white female body. Besides, it is remarkable that the picture chooses to show two generations of non-white women whose children had or have white parents, but never the opposite in terms of gender and/or color. Taking those elements into account, the article poses the question on whether the non-voyeuristic approach of the female presence in that painting would have the intention of dissuading its viewers from their masculine desire towards those women and what would be the motivations of such a composition.